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10 PELÍCULAS CON UNA FOTOGRAFÍA PARA RECORDAR

1 Apr

Zerorojo quiere recordar hoy 10 películas que por su impresionante fotografía, dirección de arte y producción de diseño no sólo son de destacar si no que quedan indelebles en nuestra memoria por el asombroso manejo de imagen que sin lugar a dudas nos hace querer verlas nuevamente. Es cierto que existen muchas piezas en el cine con estas características pero para recordarlas todas seria necesario un libro no un blog, así que este es el conteo básico considerado por Zerorojo quien invita a sus lectores a comentar ¿qué otra película o películas consideran que se destacan en su fotografía?

Schindler’s List (1993)

Director: Steven Spielberg –Ganador del Óscar y Globo de Oro.

Fotografía: Janusz Kaminski –Ganador del Óscar.

Protagonistas: Liam Neeson, Ralph Fiennes, Ben Kingsley.

Duración: 195 Minutos.

 Schindler's List Liam Neeson

Con un marcado blanco y negro difícil de olvidar Schindler’s List fue merecedora a numerosos premios entre ellos el Óscar para Janusz Kaminski. Los colores, la iluminación y las secuencias de esta cinta aportan de manera inigualable al drama plasmado en ella.

Dolores Claiborne (1995)

Director: Taylor Hackford –También director de The Devil’s Advocate y Ray.

Fotografía: Gabriel Beristain

Protagonistas: Kathy Bates, Jennifer Jason Leigh, Christopher Plummer.

Duración: 132 Minutos.

 Dolores Claiborne Kathy Bates

La adaptación del libro de Stephen King es una maravillosa mezcla de tonalidades que nos transportan del pasado al presente con tonalidades cálidas y frías, ciertamente este elemento hace un constante anuncio de los flashbacks durante el desarrollo de la trama.

 

Moulin Rouge (2001)

Director: Baz Luhrmann

Fotografía: Donald McAlpine.- Candidato a Premios BAFTA.

Dirección de Arte: Catherine Martin Brigitte Broch – Ganadoras del Óscar.

Protagonistas: Nicole Kidman, Ewan McGregor.

Duración: 127 Minutos.

 Moulin Rouge Nicole Kidman

La famosa historia de amor está ambientada de manera impecable, no hay cuadro de esta película en el que no exista una meticulosa presencia de la dirección de arte y por supuesto de una excelente fotografía: la iluminación de manera única señala los momentos de amor, regocijo abandono y muerte de manera muy específica.

Kill Bill Vol. 1 y Vol. 2 (2003 – 2004)

Director: Quentin Tarantino

Fotografía: Robert Richardson

Protagonistas: Uma Thurman, David Carradine.

Duración: 111 y 136 Minutos respectivamente.

Kill Bill Uma Thurman

Aunque Robert Richardson no obtuvo un Óscar por su participación en este film su larga lista de películas y nominaciones (Django Unchained, Hugo’s Invention, JFK, The Aviator, entre otras) nos hacen entender la calidad de su trabajo. Kill Bill hace uso de múltiples elementos fotográficos para dar vida a la historia: altos contrastes, filtros fríos y cálidos, blanco y negro y una mezcla asombrosa de planos y secuencias que hacen de este film dividido en dos capítulos una pieza maestra digna de repetir muchas veces.

 

 

Lemony Snicket’s A Series Of Unfortunate Events (2004)

Director: Brad Silberling

Fotografía: Emmanuel Lubezki

Dirección de Arte: Cheryl Carasik –Nominada al Óscar.

Protagonistas: Jim Carrey, Emily Browning, Liam Aiken, Meryl Streep.

Duración: 108 Minutos.

 Lemony Snickets Jim Carrey

Esta película además de tener una excelente dirección de arte y fotografía, se nota que fue hecha con amor, aunque no ganó todos los premios que mereciera, el mundo creado para Lemony Snicket’s es la unión exquisita de muchas obras de arte dentro de cada escena. Los detalles de utilería, de locaciones y de vestuario (vale la pena mencionarlo) son minuciosos, atractivos, y, unidos a la fotografía dotada de una coloración macabra que por momentos recuerda a Tim Burton y al variado manejo de planos se llega a una palabra: Magia.

 

House Of Flying Daggers (2004)

Director: Zhang Yimou

Fotografía: Zhao Xiaoding

Protagonistas: Andy Lau, Zhang Ziyi, Takeshi Kaneshiro.

Duración: 119 Minutos.

House Of Flying Daggers Takeshi Kaneshiro Zhang Ziyi

Zerorojo considera la fotografía de este film como la madre de la estética: cada cuadro de esta historia bien puede ser objeto de una postal, la dirección de arte y la producción de diseño son impecables y difíciles de igualar, tiene un gusto excelente, una gama de colores única y una bella exaltación a la naturaleza, sumado a lo anterior los planos son una construcción perfecta y agradable. La historia puede caer un tanto en el cliché pero la imagen de esta película es definitiva y asombrosa y este único gran detalle la hace merecedora de ser vista varias veces. La cantidad de premios que esta película ganó por su fotografía habla por si sola, curiosamente estuvo nominada pero no ganó el Óscar ni el BAFTA, pero se llevó el Boston Film Critics, National Society of Film Critics y el Satellite Awards en esta categoría.

Sin City (2005)

Director: Robert Rodríguez, Frank Miller, Quentin Tarantino.

Fotografía: Robert Rodríguez. – Nominado Premios Satellite.

Protagonistas: Clive Owen, Mickey Rourke, Bruce Willis, Benicio del Toro.

Duración: 126 Minutos.

 Sin City Bruce Willis

En el reto de llevar un cómic al cine y que siga pareciendo un cómic radica la belleza de esta cinta. La monocromía salpicada con detalles de color cargados de simbología hacen de Sin City un film digno de recordar. La iluminación lúgubre, y los altos contrastes fundidos con la dirección de arte y la fotografía apuestan por mantener vivo al cómic y cargarlo del sádico dramatismo, sensualidad y melancolía que Miller imprime en las viñetas de sus libros.

Memoirs Of A Geisha (2005)

Director: Rob Marshall

Fotografía: Dion Beebe. Ganador del Óscar, del Premio BAFTA y otros…

Protagonistas: Zhang Ziyi, Ken Watanabe, Michelle Yeoh.

Duración: 145 Minutos.

 Memoirs Of a Geisha Zhang Ziyi

Dion Beebe fue acreedor a una envidiable lista de premios por esta cinta y no es para menos: Memoirs Of A Geisha no sólo cuenta con una excelente iluminación y planos deslumbrantes también cuenta con una contundencia irrefutable al sacar partido de cada elemento: la composición de las escenas y la disposición de los elementos que rodean a los personajes hacen de la historia algo tan vívido que el espectador cree estar viendo el pasado desplegarse ante sus ojos.

El Laberinto del Fauno (2006)

Director: Guillermo del Toro.

Fotografía: Guillermo Navarro.- Ganador del Óscar, Premios Goya y Ariel.

Dirección de Arte: Eugenio Caballero, Pilar Revuelta – Ganadores del Óscar.

Protagonistas: Ivana Baquero, Doug Jones, Sergi López.

Duración: 112 Minutos.

 Laberinto del Fauno Pan's Labyrinth Ivana Baquero

Guillermo Navarro fue Ganador del Óscar, Premio Goya y Ariel por esta cinta. El Laberinto del Fauno es la muestra perfecta de la coordinación entre la fotografía, la dirección de arte y la producción de diseño. Muchas de las secuencias de la historia son un cuento de hadas en movimiento: los colores cálidos y acentuados unidos a la estética sombría y surreal imprimen en la historia fantasía pura, sin embargo, la fotografía se encarga de hacer de lo real algo tan extraordinario, tan único que llega a parecer irreal.

Life Of Pi (2012)

Director: Ang Lee – Ganador del Óscar

Fotografía: Claudio Miranda – Ganador del Óscar

Protagonistas: Suraj Sharma, Irrfan Khan.

Duración: 127 Minutos.

 Life Of Pi Richard Parker

Además de todos los efectos visuales que tiene Life Of Pi puede contarse entre sus grandes atributos la fotografía que es excesivamente explícita: los colores o filtros empleados marcan decididamente los momentos de la historia, de lo real y lo irreal, del pasado y del presente. Esta película tiene muchos elementos atractivos a nivel visual, no obstante aquí se señala este que se considera definitivo, no todas las películas contienen esa belleza de color: mezclas ácidas y vivas con cierta evocación de filtros vintage.

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MARTHA MARCY MAY MARLENE

17 Dec

MMMM

Nota: El siguiente post no contiene avances significativos de la trama ni del final de la película

 

Sean Durkin un joven director, escritor y productor le da vida este 2012 a Martha Marcy May Marlene, un drama protagonizado por Elizabeth Olsen y Sarah Paulson. La cinta muestra un episodio en la vida de Martha, una joven que lleva una vida errática desde la muerte de su madre y que en sus ires y venires termina involucrada con una “comunidad” que vive de manera atípica y que la llevará a presenciar y ejecutar actos reprobables, cuando Martha decide huir a refugiarse con su hermana mayor, ya el daño está hecho: se encuentra intranquila  y paranoica, actitudes que le dificultan la convivencia con su familia.

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Realmente no se percibe tanto esfuerzo de los cineastas en dar filtros o coloraciones memorables a las escenas, no obstante, las ambientaciones y locaciones son convincentes, captan completamente la atención. La cinta hace un buen manejo de tiempos pero a veces resulta muy obvio: el espectador puede predecir el preciso momento en que la historia irá al pasado y volverá al presente. Un punto a destacar: la banda sonora, conmovedora y suave.

 

Lo mejor de la película son las actuaciones, Olsen se estrena como protagonista y el reto no le queda grande, a partir de esta y otras actuaciones se puede intuir que es una actriz muy emocional y natural, encuentra fácilmente la vía para comunicar las sensaciones de sus personajes. En cuanto a John Hawkes y Sarah Paulson, bueno ellos trazan de manera  antónima dos mundos diferentes para Martha…el descontrol y el orden.

 martha_marcy_may_marlene

Zerorojo tiene opiniones divididas frente a este film: por un lado tiene a favor las actuaciones y la historia, pero por otro es lenta en este caso ello no puede ser solucionado con escenas de acción por supuesto, pero el guión pudo ser un tanto más efusivo, más inteligente, de ese modo el público se mantendría un poco más atento a la historia. En resumen si el espectador está habituado al cine independiente y sus manejos de tiempos casi reales, entonces no habrá de qué quejarse y Martha Marcy May Marlene llegue a ser una alternativa aceptable.

 

El cine independiente siempre deja en la boca el exceso de sabor a realidad.

BEING FLYNN

4 Dec

Being Flynn

Nota: El siguiente post no contiene avances significativos de la trama ni del final de la película.

 

Paul Weitz (American Pie, Little Fockers) nos sorprende con la dirección de Being Flynn, un drama adaptado de la novela Another Bullshit Night In Suck City (por Nick Flynn) nos cuenta la historia de Nicholas Flynn, un joven que tras crecer solo con su madre, permanece en la eterna espera de su padre a quien sólo conoce por cartas en las que siempre le asegura que es un escritor y que su novela será un clásico de la literatura, justo cuando Nicholas deja de esperar, cuando ya no le importa en absoluto quien es, fue o será su padre, este vuelve a aparecer en su vida mostrándose tal como es: un hombre soñador, alcohólico y alejado de la realidad características que terminan por situar a padre e hijo en el mismo lugar, unos aprenderán de la situación, otros no.

 

Being Flynn se acerca a varias realidades: ser alguien y ser nadie,  el alcoholismo, la vida de los desamparados, de los que ayudan a los desamparados, pero antes que nada habla de hacer nuestra vida de acuerdo a nuestros patrones, de escribir nuestra historia sin que se vea influenciada por los errores de otros. Si de escritura se trata tristemente permanece el cliché de que las buenas historias surgen de los peores momentos de la vida.

 

Al ser una historia dramática su éxito depende mucho de sus actores: Robert de Niro (Limitless, Stardust) y Paul Dano (Little Miss Sunshine)  son los delegados para interpretar a padre e hijo de manera completamente verosímil y suficiente. Dano todo el tiempo se debate entre el conflicto de perdonar el abandono de su padre y a la vez de no abandonarlo, transmite completamente la frustración e impotencia que le causa la situación, en su actuación no hay vacíos y resulta bastante realista. De Niro por su parte asombra, llevaba bastante tiempo sin interpretar a un personaje tan cargado de emociones, de fantasmas, de vida, de realidad y lo hace a la perfección, a pesar de la “locura” del personaje todo el tiempo se puede vislumbrar en él una nota de melancolía que nos muestra su conciencia de la realidad actitud que mantiene firme hasta la última escena.  Juliane Moore interviene como la madre de Nicholas, una mujer trabajadora y espontánea que nunca pretende esconder la realidad del mundo y de la vida a su hijo, un papel bien ejecutado.

 

La cinta maneja colores fríos, la historia se desarrolla en invierno y el tema coopera para que esto sea así. Hace manejos de planos generales, que buscan captar las realidades y los estilos de vida de los personajes, locaciones muy naturales, nada de buscar estéticas deslumbrantes o diseñadores de moda, como ejemplo podemos tomar la perfecta recreación de la casa de Jonatan Flynn, así y no de otro modo debe vivir una persona como él.

 

Muy buena película, Zerorojo la recomienda no sin antes hacer la advertencia de que el espectador no se va a enfrentar a un jardín de rosas, todo lo contrario: es una película que narra conflictos bastante duros y tristes pero también muestra el  camino hacia las soluciones. Un punto a favor es que narra una historia fresca, no convencional, sin romances, tiros, ni risas…pura realidad.

 

“Quien diablos querría hacer una película de tu vida? sería una película de mierda, aburrida y redundante”[1]…Weitz asumió el reto y salió triunfante.


[1] Parlamento de Robert de Niro como Jonatan Flynn. Minuto 35.

THE RESIDENT

3 Dec

The ResidentNota: El siguiente post no contiene avances significativos de la trama ni del final de la película.

 

The Resident es una película de 2011 que pretende ser suspenso-terror pero no, infortunadamente no llega a eso, ya debería existir un género propio para estos films fallidos: el género nada, porque a eso llegan…a nada. Dirigida por el finlandés Antti Jokinen, cuenta la historia de Juliet Deveraux, una doctora que tras una decepción amorosa decide buscar apartamento, para su fortuna encuentra uno que la complace en un viejo edificio de los años 40 administrado por Max un hombre solitario que rápidamente se involucra con ella y se convierte en su amigo, justo cuando Juliet empieza a adaptarse a su nueva vida comienza a sentir sonidos extraños e inquietantes en su apartamento.

 

Esta cinta es prueba de una cosa: un director de videos musicales como lo es Jokinen debería quedarse haciendo ¿qué? Eso exactamente, VIDEOS MUSICALES! Aunque aquí cabe preguntarse también ¿en qué estaban pensando los productores de esta película? Y más vergonzoso aún: ¿Será que Hilary Swank y Jeffrey Dean Morgan están en una crisis económica como para aceptar proyectos tan deshonrosos?

 

El tema de esta película ya ha sido tratado en muchas otras y con mejor argumento, por ejemplo Sliver de 1993 (con Sharon Stone y William Baldwin). Ciertamente es difícil decidir si es suspenso o terror pero es evidente que todo el tiempo se busca asustar al espectador con sonidos absurdos y estridentes que no encajan, no la hacen terrorífica ni contribuyen a la trama.

 

Zerorojo no quiere hablar de planos, ni de guiones, ni de actuaciones y en definitiva no desea en absoluto resaltar nada de esta película que se constituye como un gran insulto para los espectadores: sólo es una fórmula comercial con dos excelentes actores que sirven de carnada para que el incauto público pierda 91 minutos de su vida.

 

Que falta de originalidad y de respeto.